Nativa de Brooklyn, Nueva York, Lena Krassner (quien prefería ser llamada Lenore, luego Lee, y que cambió su apellido a Krasner) nació el 27 de octubre de 1908 en el seno de una familia inmigrante ruso-judía. Su formación artística inicial fue en The Cooper Union, la Art Students League y la National Academy of Design en Nueva York, donde estudió de 1928 a 1932. Su carácter fuerte e independiente a menudo la enfrentaba con sus instructores en la conservadora academia, donde, no obstante, recibió una sólida formación en dibujo, pintura y diseño.

Después de graduarse, Krasner tomó cursos universitarios para obtener un certificado de enseñanza y trabajó como modelo y camarera. A pesar del inicio de la Gran Depresión, no perdió la esperanza de convertirse en una artista profesional de tiempo completo. Ese objetivo parecía más alcanzable cuando, en 1934, fue aceptada para trabajar en el Public Works of Art Project, el primer programa de patrocinio artístico del New Deal. Al igual que Pollock y muchos de sus contemporáneos, dependió del trabajo gubernamental, principalmente del Federal Art Project (FAP) de la WPA, hasta que las agencias fueron disueltas en 1943. Curiosamente, aunque ella y Pollock trabajaban al mismo tiempo en el FAP de la ciudad de Nueva York, aparentemente solo se encontraron una vez durante ese período, en una fiesta del Artists Union en 1936.

Mark Patiky, Lee Krasner, 1969

Ambos estaban en sus años formativos como artistas; Krasner, a pesar de la validación profesional del FAP, estaba insatisfecha con su desarrollo. En 1937, volvió a estudiar arte, esta vez en el taller de la 8th Street del célebre emigrado alemán Hans Hofmann, quien transmitió principios del modernismo de Múnich y París a Nueva York. Krasner estuvo asociada con la escuela de Hofmann hasta 1940, y durante ese período revisó radicalmente su lenguaje visual.

Habiendo comenzado su carrera con pinturas y dibujos naturalistas, incluso ilustrativos, rápidamente descartó las viejas ortodoxias en favor de un esquema cubista, en el que creó sus primeras obras maduras. Siguiendo su activa participación en causas artísticas, políticas y profesionales, Krasner se unió a los American Abstract Artists, expuso sus pinturas en las exposiciones del grupo y ganó rápidamente credibilidad como una modernista de la nueva generación. Intensa, seria y ambiciosa, se enorgullecía de conocer a todos los miembros notables de la vanguardia de la ciudad, por lo que cuando fue invitada a participar en una exposición colectiva importante, “French and American Painting,” se sorprendió de no conocer el nombre de un compañero expositor, Jackson Pollock. Impulsivamente, llegó a su estudio sin avisar, se presentó y pidió ver su trabajo. Como recordó después, quedó asombrada por el vigor creativo y la intensidad emocional que sus pinturas encarnaban, así como por lo que percibió como su genio latente. “¿Cómo podía haber un pintor así que yo no conocía?” se preguntaba. Su encuentro a fines de 1941 resultó decisivo para ambos artistas, generando una relación romántica que los llevaría al matrimonio cuatro años después y a una relación profesional mutuamente enriquecedora.

Durante sus primeros años juntos, Krasner experimentó una profunda reconsideración de su dirección artística; luchaba, en sus palabras, por “perder el cubismo” y “absorber a Pollock”. No obstante, aunque reconocía los dones superiores de Pollock, no se convirtió en su seguidora. Más de tres años mayor que él, ya era una artista madura cuando se conocieron, y durante su evolución estética conservó elementos de sus primeras habilidades analíticas y sofisticación estructural. Además, nunca perdió su profunda admiración por Matisse, un artista que interesaba a Pollock solo marginalmente, y por Mondrian, cuyo estilo de cuadrícula permaneció como base de muchas de sus composiciones, notablemente en su serie Little Image y en las abstracciones rectangulares de 1946-51. Matisse fue, de hecho, una fuente de inspiración de por vida para ella. Sin embargo, el enfoque intuitivo de Pollock ayudó a liberar el arte de Krasner de las restricciones formalistas, mientras que su ojo crítico y su juicio agudo, así como su dedicación a promover la carrera de él, fueron invaluables para su éxito.

El año siguiente, Krasner cambió de dirección abruptamente, volviendo a un estilo pictórico sensual en el que las formas humanas, animales y vegetales desempeñan un papel prominente. A menudo aludiendo al ciclo de nacimiento y muerte del mundo natural, los lienzos son simultáneamente seductores y ominosos, afirmando la vida pero también sombríos. Una de esas pinturas, más tarde titulada Profecía, estaba en su caballete en julio, cuando se fue de viaje a Europa. Su relación con Pollock estaba en ruinas: él bebía en exceso, había tomado una amante y ya no pintaba, mientras que su trabajo progresaba rápidamente. En este punto crítico de su vida personal y profesional, Pollock murió en un accidente automovilístico, dejando a Krasner con las secuelas emocionales. Muchos de estos conflictos y su posterior confrontación y resolución se reflejan en su obra, que parece haber servido como antídoto para su dolor consciente, como en su serie lírica Earth Green (1957-59), y como una vía de escape para su ira reprimida, como en su serie Night Journey posterior.

El desarrollo de Krasner se interrumpió a fines de 1962 cuando sufrió un aneurisma cerebral casi fatal; esto y otros problemas de salud posteriores afectaron su trabajo durante casi dos años. Para entonces, ya había establecido una residencia en Manhattan, pero continuó pasando varios meses al año en The Springs, donde se había mudado al antiguo estudio de Pollock. En las décadas de 1960 y 1970, Krasner siguió refinando la imaginería derivada de la naturaleza que había explorado por primera vez en los arabescos gestuales de las pinturas Earth Green, enfatizando sus cualidades caligráficas y, más tarde, agudizando sus bordes para asemejarse a elementos de collage recortados. Tras importantes exposiciones individuales, como una retrospectiva en la Whitechapel Gallery de Londres (1965) y "Lee Krasner: Large Paintings" en el Whitney Museum of American Art, Nueva York (1973), junto con una importante exposición en galerías comerciales, emergió de su a veces sofocante rol como “la señora de Jackson Pollock” y logró el reconocimiento por sus propias contribuciones al arte moderno estadounidense. Entre ellas destaca su singular estética de collage, que incluye composiciones tan grandes y ambiciosas como sus pinturas. En 1976 realizó otra serie de collages, esta vez incorporando dibujos de figuras y naturalezas muertas realizados durante sus días como estudiante de Hofmann, casi 40 años antes. Con títulos basados en conjugaciones del verbo "ver," la serie alude a la visión y revisión, afirmando poderosamente el carácter cíclico del arte y la vida de Krasner.

Esa vida terminó el 19 de junio de 1984 en el Hospital de Nueva York, donde Krasner, que había estado en mal estado de salud durante varios años, sucumbió a una hemorragia interna causada por diverticulitis. En octubre del año anterior, su primera retrospectiva completa en los Estados Unidos se había inaugurado en el Houston Museum of Fine Arts, y a pesar de su enfermedad, Krasner viajó a Texas para la apertura. Lamentablemente, no vivió para ver la exposición llegar a Nueva York, donde, después de exhibirse en el San Francisco Museum of Modern Art, el Chrysler Museum y el Phoenix Art Museum, se inauguró en el Museum of Modern Art en diciembre de 1984.

Texto por Helen A. Harrison