Paul Jackson Pollock nació en Cody, Wyoming, el 28 de enero de 1912. Era el quinto y menor de los hijos de LeRoy McCoy Pollock y Stella McClure Pollock. La familia abandonó Cody cuando Pollock tenía menos de un año, y él se crió en Arizona y California.

Tras una serie de proyectos agrícolas infructuosos, su padre se hizo topógrafo y trabajó en equipos de carreteras en el Gran Cañón y en otros lugares del suroeste. Pollock, que a veces acompañaba a su padre en estos trabajos, comentó más tarde que los recuerdos del paisaje panorámico influyeron en su visión artística. Mientras asistía a la Manual Arts High School de Los Ángeles, Pollock fue animado a seguir su temprano interés por el arte.

Dos de sus hermanos, Charles y Sanford (conocido como Sande), también se estaban desarrollando como artistas. Charles, el mayor, fue a Nueva York a estudiar con el pintor regionalista Thomas Hart Benton en la Art Students League, y sugirió a Jackson que se uniera a él. En 1930 Pollock viajó al este y se matriculó en la clase de Benton en la Liga. En esa época abandonó su nombre de pila, Paul, y empezó a utilizar su segundo nombre.

Bajo la dirección de Benton, Pollock analizó pinturas de los Viejos Maestros y aprendió los rudimentos del dibujo y la composición. También estudió pintura mural con Benton y posó para los murales que su maestro realizó entre 1930 y 1930 en la New School for Social Research, donde el muralista mexicano José Clemente Orozco estaba trabajando en unos frescos. Se cree que la experiencia directa de Pollock con la pintura mural contemporánea despertó en él la ambición de pintar sus propias obras a gran escala, aunque no lo conseguiría hasta 12 años más tarde.

Durante la década de 1930, la obra de Pollock reflejaba la estética de "Escena americana" de Benton, aunque enriquecida por una cualidad melancólica, casi mística, que recordaba la obra del pintor visionario Albert Pinkham Ryder, a quien Pollock admiraba.

La influencia de Orozco también se dejó sentir, especialmente después de que Pollock viera sus dinámicos frescos para el Dartmouth College (1932-34). Otras influencias tempranas incluyen a Picasso, Miró y los surrealistas, así como a otro muralista mexicano, David Alfaro Siqueiros, que en 1936 estableció un efímero taller experimental en Nueva York. Fue allí donde Pollock conoció por primera vez el uso de la pintura esmaltada y se animó a probar técnicas poco ortodoxas, como verter y arrojar el material líquido para conseguir efectos espontáneos.

Con la llegada de los proyectos de ayuda al trabajo del New Deal, Pollock y muchos de sus contemporáneos pudieron trabajar como artistas en nómina federal. Bajo la égida del gobierno, Pollock se inscribió en la división de caballetes del Proyecto Federal de Arte de la Works Progress Administration, que le proporcionó una fuente de ingresos durante casi ocho años y le permitió dedicarse al desarrollo artístico. Algunas de las pinturas de Pollock realizadas en el marco del WPA se han perdido, pero las que se conservan -junto con otros lienzos, dibujos y grabados realizados durante este periodo- ilustran su compleja síntesis del material original y la aparición gradual de un lenguaje pictórico profundamente personal.

A principios de la década de 1940, los motivos nativos americanos y otras imágenes pictográficas desempeñaban un papel central en sus composiciones, marcando el comienzo de un estilo maduro. Al tiempo que su arte ganaba en seguridad y originalidad, Pollock sufría turbulencias personales y episodios recurrentes de depresión. También luchaba por controlar su alcoholismo, que le perseguiría durante toda su vida. Sus hermanos Charles y Sande, con los que vivía en el número 46 de la calle 8 Este de Manhattan, le animaron a buscar tratamiento, incluido el psicoanálisis.

Aunque la terapia no consiguió frenar la bebida de Pollock ni aliviar su depresión, le introdujo en conceptos junguianos que validaron la dirección subjetiva y simbólica que estaba tomando su arte. A finales de 1941, Sande escribió a Charles, que se había marchado de Nueva York, que si Jackson conseguía "mantener la compostura, su obra cobraría verdadera importancia". Su pintura es abstracta, intensa, evocadora en calidad".

Por aquel entonces, Pollock fue invitado a participar en una exposición colectiva de pintores franceses y estadounidenses, entre ellos Picasso, Braque, Matisse y otros maestros consagrados. Entre los norteamericanos prácticamente desconocidos del grupo se encontraba Lenore Krassner -más tarde conocida como Lee Krasner-, que se convirtió en amante de Pollock y, en 1945, en su esposa. El trabajo que vio en el estudio de Pollock la convenció de su extraordinario talento, y no pasó mucho tiempo antes de que influyentes miembros de la intelectualidad vanguardista de Nueva York empezaran a compartir su opinión. Su obra llamó la atención de Peggy Guggenheim, en cuya galería, Art of This Century, se exponían las nuevas obras más desafiantes de los abstraccionistas y surrealistas estadounidenses y europeos. Guggenheim se convirtió en marchante y mecenas de Pollock, introduciendo su obra en el reducido pero ávido público de la pintura de vanguardia.

En 1946, Guggenheim prestó a Pollock el anticipo de una pequeña finca en The Springs, una aldea rural cerca de East Hampton, Long Island. Esta propiedad, actualmente Casa y Centro de Estudios Pollock-Krasner, sería el hogar de Pollock durante el resto de su vida y el lugar de su obra más innovadora e influyente. Antes de trasladarse a The Springs, su imaginería era congestionada, sus colores sombríos y el ambiente general de sus cuadros ansioso y conflictivo. Sin embargo, poco después de establecer su estudio en el campo, sus colores se iluminaron, sus composiciones se abrieron y sus imágenes reflejaron una nueva sensibilidad hacia la naturaleza. Pronto se convertiría en pionero de la técnica del vertido espontáneo, que le dio fama mundial.

Aunque Pollock había experimentado por primera vez con la pintura líquida en el taller de Siqueiros en 1936, no se convertiría en su medio principal hasta más de diez años después. En 1947 ya creaba composiciones de capas densas que se ganaban tanto los elogios como el desprecio de la crítica. Algunos las tachaban de caóticas y sin sentido, mientras que otros las consideraban magníficamente organizadas, visualmente fascinantes y psicológicamente convincentes. Clement Greenberg, uno de los más fervientes partidarios de Pollock, sostenía que era "el pintor más poderoso de la América contemporánea y el único que promete ser importante".

Con varias exposiciones individuales en su haber y obras incluidas en importantes exposiciones colectivas, Pollock estaba recibiendo una atención significativa. Un perfil publicado en el número del 8 de agosto de 1949 de la revista Life dio a conocer su desafiante arte a un público nacional y consolidó su creciente reputación como el pintor moderno más destacado de su generación.

El avance radical de Pollock vino acompañado de un periodo de sobriedad que duró dos años, 1948-50, durante el cual creó algunas de sus obras maestras más hermosas. En su estudio del granero, extendía el lienzo en el suelo y desarrollaba sus composiciones trabajando por los cuatro costados, dejando que las imágenes evolucionasen espontáneamente, sin ideas preconcebidas. Pollock describió esta técnica como pintura "directa" y la comparó con la pintura de arena de los indios americanos. Mantenía, sin embargo, que el método era "el resultado natural de una necesidad" y que su única importancia era "llegar a una afirmación". El carácter y el contenido de esa declaración eran entonces y siguen siendo controvertidos, sujetos a interpretaciones muy diversas, razón por la cual el arte de Pollock ha conservado su vitalidad a pesar de los cambios de gusto.

En 1951, la estética de Pollock experimentó un cambio de énfasis al abandonar la imaginería no objetiva en favor de referencias abstractas a formas humanas y animales. "Cuando trabajas a partir de tu inconsciente", explicaba, "es normal que surjan figuras". También renunció al color para crear una serie de pinturas negras sobre lienzo sin imprimar. Muchos de sus admiradores se mostraron ambivalentes ante su nuevo rumbo, lo que puede explicar, al menos en parte, la incapacidad de Pollock para mantenerse sobrio. Durante los cinco años siguientes lucharía sin éxito por resolver su problema con la bebida, mientras su arte sufría una serie de revisiones, algunas más acertadas que otras. Volvió el color, el gesto se hizo más rico y variado, y Pollock volvió a velar sus imágenes con capas que oscurecían tanto como revelaban.

En 1955, sin embargo, los demonios personales de Pollock habían triunfado sobre su impulso artístico, y dejó de pintar por completo. Irónicamente, su obra había empezado a reportarle unos ingresos respetables a él y a Krasner, que estaba cada vez más distanciada de su problemático y alcohólico marido. En el verano de 1956, ella aprovechó un viaje a Europa para reevaluar su relación, mientras Pollock permanecía en casa con una joven amante, Ruth Kligman, para distraerse de las agonías de inseguridad e inacción que le atormentaban. En París, la mañana del 12 de agosto, Krasner recibió una llamada telefónica en la que le informaban de que Pollock había muerto la noche anterior en un accidente de automóvil. Conducía ebrio y había volcado su descapotable, matándose a sí mismo y a una conocida, Edith Metzger, e hiriendo gravemente a Kligman.

Texto de Helen A. Harrison